LALOLA: MÁS ALLÁ DE LOS GENÉROS

Enhorabuena a mi cumpleañero amigo GABRIEL, guionista talentoso, con un abrazo.

La serie argentina LALOLA es un punto y aparte en las series en castellano. Lo más suculento es que no hay estereotipos blandengues de mujeres ejemplares a la mexicana. Aquí las mujeres y los hombres en cuanto a tipología se dan un quien vive. Ellas son como los hombres, perversas de cabo a rabo y forradas de lo mismo.

NATALIA, CAROLA, JULIA, SOLEDAD, GRACIELA, LALOLA, VICTORIA, GRISELDA, LA MAMÁ DE LALO. No confíen en ellas ni les presten dinero, no les entreguen su amor, ellas los van a traicionar, igual que nuestros amigos y amigas lo hacen.

Natalia sin reposo: el mal no descansa nunca.

La plasticidad de las situaciones: cómo calificar moralmente a esta serie, si como espectadores mexicanos sólo hemos visto en la pantalla casera nocturna, el arquetipo de LA CENICIENTA y EL PRÍNCIPE, en todas sus variantes. Y siempre con bellas actrices y actores en plenitud y durante décadas. En cambio, todos los actores de LALOLA, bueno, casi todos y todas son feos y mal portados.

Poco a poco en COLOMBIA y en ARGENTINA se gestaron un puñado de series --- y a la fecha al menos PEDRO EL ESCAMOSO, SIN TETAS NO HAY PARAÍSO, EN LOS TACONES DE EVA, PATITO FEO, MUJERES ASESINAS y LALOLA que acrisolan todo un contexto social y por capilaridad se embebieron, con notable verosimilitud del mundo y la realidad de donde surgieron.

BORGES escribió una aguda observación: la censura es la madre de la metáfora. Y en ese clima de guerrillas, pugnas sindicalistas, privatización de empresas del Estado, dictaduras, represión masiva, devaluaciones monstruosas, magnicidios se han gestado admirables formas estéticas en COLOMBIA y ARGENTINA: en novela, poesía cuento, cine y lo que nos ocupa: las series de televisión que no son las telenovelas con las cuales se efectuó nuestra educación sentimental y se codificó nuestra intimidad frente a la televisión. Es un hecho: hasta las formas estéticas populares moldean nuestra moral, nuestras vidas son apacibles telenovelas mexicanas.

El talento, como el viento brota donde quiera y en cualquier género estético. En 1970 ANDRÉS AMORÓS, en SUBLITERATURAS, nombró al género rosa y de paso a todo lo que no era novela ---al estilo boom,, cine a nivel de los autores consagrados, la poesía de NERUDA o LEZAMA y no la de GIRONDO.

Pero CABRERA INFANTE, por esos mismos años reivindicó esos géneros maltratados por AMORÓS en su libro O. Después del hipismo lo pop, lo masivo, pasa a disputar su reconocimiento como arte con las formas clásicas.

Mientras tanto ALMODÓVAR, BIGAS LUNA, GAITÁN, SEBASTIÁN ORTEGA, BARRERA TYZKA, estaban velando sus armas y en las siguientes décadas conocimos los frutos en sus obras que entre otras características muestran con ironías las nuevas formas de la subjetividad moral.

Fernando Gaitán, guionista.

Por supuesto en MÉXICO, después de 1968 transcurrieron dos décadas prodigiosas para las telenovelas en medio de las crisis ininterrumpidas políticas, sociales, económicas. Sólo a la televisión mexicana, al capital industrial y a la élite política les iba bien. Pero junto al esplendor económico los guionistas de la televisión mexicana empezaron a sufrir obligación para producir telenovelas de lo más bello, y apacible conservadurismo moral, al servicio de ganancias económicas colosales.

Digo las ganancias se dieron en proporción inversa al crecimiento de la independencia creativa y artística de los guionistas, mientras en VENEZUELA, BRASIL, COLOMBIA y ARGENTINA fueron madurando grandes aventuras en la creación de series para la televisión y jugaron el riesgo de las producciones independientes y parece que ha valido la pena, en todos los aspectos: dinero y reconocimiento a la calidad.

LALOLA, SEBASTIÁN ORTEGA (guionista), FACUNDO, GASTÓN, NATALIA Y SOLEDAD

Que yo sepa CAFÉ CON AROMA DE MUJER, YO SOY BETTY LA FEA, SIN TETAS NO HAY PARAÍSO, EL CLÓN, PEDRO EL ESCAMOSO, MUJERES ASESINAS, LOS SIMULADORES, HERMANOS y DETECTIVES, EPITAFIOS, no tuvieron su origen en MÉXICO. Ah, pero todas serán o ya fueron refriteadas para las ganancias inimaginables y "en las aguas heladas del cálculo egoísta".

Las divas diabólicas de SIN TETAS NO HAY PARAÍSO.

En contraste, pienso con amargura en los cientos de guionistas mexicanos curtidos, talentosos, restringidos, explotados, mal pagados, reescribiendo los probados éxitos de series sudamericanas o estadunidenses, y leyendo con interés y emoción sobre la huelga de guionistas que en HOLLYWOOD, en el corazón de las series comerciales, doblegando a los productores a negociar sus demandas económicas y laborales y reventando varias temporadas televisivas. Todo un ejemplo ¿imposible de verlo en MÉXICO?

Desde su primer capítulo me sorprendió la audacia de la idea principal: un yuppie y argentino ---que ya es bastante desmesura ---, galán, joven, inteligente, macho poderoso y machín, amanece un día transformado en mujer, embrujado, por despecho y venganza de una mujer obcecada, y así de LALO, pasará a ser LALOLA, editora de REVISTA DE MODA, FOTOGRAFÍA, CHISMES Y FARÁNDULA, un hombre atrapado en el cuerpo de una rubita flaca, desabrida, extraviada, sin saber habitar este nuevo cuerpo, en éste, su nuevo mundo.

¡Cuidado Facundo LALOLA es tu archienemigo Lalo!

Con este ingenioso dispositivo argumental de arranque que sólo conocen LALOLA, GRACIELA y los espectadores sentiremos todo el tiempo la inquietud de LALOLA, asombrada, abriendo grandes ojos y balbuceando sobre la marcha cuanto argumento absurdo para justificar su aparición, su nacimiento en un mundo complejo, enloquecido y que poblado de enemigos, nunca le darán reposo.

LALOLA gobierna y manda

Como fisgones voyeuristas, vamos habitando el mundillo del trabajo de una REVISTA de PUERTO MADERO, ARGENTINA, de personajes, complejos sofisticados, "amorales", "inmorales", "vengativos", "codiciosos" "mundanos", perversotes. No hay diferencia entre hombres y mujeres. Ya se sabe: la noción de género explica el troquelado de hombre y mujer; en LALOLA se borran los géneros en las actitudes morales de hombres y mujeres: todos en pos del dinero, el dominio, la sexualidad, el hedonismo, las ilusiones y no hay personajes correctos, positivos y la ambigüedad y la bipolaridad morales de los caracteres es el tono dominante de las dos temporadas que hemos visto. Es gracioso recordar que LÉVY-STRAUSS, teórico de peso completo, aseveró e ilustró que los hombres intercambian signos --relatos, mitos---, bienes y mujeres. Eso, que es un postulado de la ANTROPOLOGÍA ESTRUCTURAL. Pero en la globalidad, y aquí en el arte, se ratifica que ha habido un giro: todas las mujeres actantes en LALOLA intercambian hombres, los intercambiados son los hombres.

GASTÓN y VICKY al servicio de sus pasiones hedonistas insaciables.

Y tal vez sin buscarlo, el guionista ilustra con la serie un feminismo retorcido que no tiene nada que ver con la solidaridad social, la democracia, la justicia, el apoyo a mujeres golpeadas, violadas o asesinadas. Al contrario se trata de un feminismo cínico que proclama que las mujeres están an al nivel de los machos en inteligencia y poder; se muestra una puesta en juego sobre el poder inter pares=entre iguales. Los minutos de asueto para el desayuno son para esa forma regulativa de la moral que son los chismes, pero comparemos los discursos femeninos del escuadrón de las feas de YO SOY BETTY LA FEA ---- hijos, divorcios, pensiones alimenticias, ingratitud de las parejas, las conductas de los jefes, una moral ejemplar --- con los de LALOLA: son los tópicos de la posmodernidad: "todos los vicios del mundo".

Me aventuro a vislumbrar que en el improbable caso de que se haga LALOLA en MÉXICO va aser un un estrepitoso fracaso de espectadores en MÉXICO. Y será por la moralidad mexicana vigente para que pueda uno identificarse con los protagonistas. Ninguno es casado, viven casi todos en solitario, tienen empleo estable y si viven temporalmente en pareja, son dinks (double income no kids: doble ingreso, sin hijos), con vínculos de intimidad siempre volátiles. La relación de LALOLA y GRACE es un muégano atípico. En MÉXICO el grueso de la población vive en compañía de alguien y casi todos tienen hijos o su meta es tenerlos y tanto hombres como mujeres queremos casarnos, pues no somos como los pérfidos y reventados argentinos.

Gastón:Mastroianni, Sordi, Manfredi,reencarnados

Pero hay algo más esa corrosiva serie argentina no tiene modelos morales a emular en la comunidad: GASTÓN: ambicioso, envidioso, erotómano, mujeriego, bebedor pesado, acumulando dinero y poder mal habido.

Aguirre: vive en un planeta coloreado por el VIAJE y el placer.

AGUIRRE: depresivo clínico, infartado, retacado de ansiolíticos, estimulantes, alcoholizado, embotado, pusilánime, con un discurso nebuloso que raya en lo poético. LEO: perversote, inmoral, erotómano, conspirador, vengativo, codicioso. PATRICIO MIGUEL: un ángel con fatiga crónica, músico sin obra, amante del amor sin amor, explotable, siempre traidor y conspirativo.

Un avispero de malportados,inmorales, decadentes.

FACUNDO: pusilánime, anti intelectual a morir, irreflexivo, dominado por las libidininas, hormonas siempre dominantes y enceguecedoras. EL CADETE: joven delincuente en sus ratos libres, mentiroso, raterillo, encargado de cualquier trabajo suicio por un puñado de pesos. Todos viven solos, no tienen hijos, no respetan a su madre y sus principios rectores son, apoliticismo, individualismo, hedonismo. Estamos viviendo globalmente los habitantes de las grandes ciudades una época permisiva, donde exhibir la incorrección, tiene un toque elegante y distinguido. Así los guionistas argentinos siguiendo el modelo de las series HUFF, HOUSE, SIX FEET UNDER, ESPOSAS DESESPERADAS, MENTES CRIMINALES, LA ÉLITE DE CACHEMIRA, crean una serie con un éxito fulminante en cualquier país que no sea MÉXICO, demasiado corrosiva, inmoral y verborreica. Atrás de la imaginación verbal de AGUIRRE, GASTÓN, NATALIA, GRACE, CAROLA, está la tradición poética (GIRONDO), literaria, dramática, cinematográfica (LECCHI) y musical argentina; estamos antes un serie, tal vez la más compleja e inesperada. Al ver a GASTÓN, LEO, PATRICIO MIGUEL, AGUIRRE, recordé inmediatamente a SORDI, TOGNAZZI, MANFREDI, MASTROIANNI.

JULIA:hablar, hablar e intrigar

EL JUEGO TRANSGENÉRICO y TRANSEXUAL.

El tema es tratado con refinamiento, cinismo y anticipación. Desde una perspectiva social, LALOLA se adelanta a la inmixión de géneros con la posibilidad de lo transgenérico. Si la serie lo plantea es que eso está sucediendo en la aldea global, más o menos, pero ya llegó para quedarse. Esta transgresión de la identidad genérica se la tenía que cobrar la sociedad mexicana a LALOLA con poca aceptación y molestia. Claro se intuye lo que se ve: la identidad hombre y mujer es social, es decir es genérica, no es natural.

Lalo es también Lola: LALOLA

En COLOMBIA, la sensacional EN LOS TACONES DE EVA, se trata del mismo asunto. Caras y cuerpos vemos y transgenéricos psíquicos y polimorfos sexuales no sabemos. Serán, espero, en MÉXICO, estas series, pronto material didáctico en los estudios de posgrado, de GÉNERO, en el COLEGIO DE MÉXICO, si no es que MARTHA LAMAS ya las utiliza.

El juego transgenérico y transexual

El arte adelantándose a la reflexión teórica hegemonizante. No cabe duda somos complejos con vicios privados y virtudes publicas LALOLA recorre la cortina de lo privado y nos da en representaciones discursivas y actos nuestras pulsiones hacia el sexo, el dinero, el placer, el dominio y la gregaridad perenne.

Facundo: bien sabes que besas y amas a un hombre.

Es que han sido muchas décadas de ver series mexicanas, telenovelas que refrendan los roles sociales: las bellísimas niñas pobres rubitas que son hijas de un hombre rico de quienes fueron arrancados, varones galanes buenos o malos sin medias tintas prestos a proferir frases de amor y dispuestos a ir al altar y vivir siempre juntos y felices; y los malos y feos recibiendo su merecido. Bueno la subjetividad de los jóvenes mexicanos en edad de estudiar y trabajar tiene otras necesidades y apetitos aplazados. Una loca e irreverente rebelión ha despertado en MÉXICO y los jóvenes, mujeres y varones---leones y panteras---se comportan de manera sofisticada, compleja y mucho más en asuntos de sexualidad.

Cuidado porque LOLA, NATALIA, JULIA, PEDRO, CATA, EVA caminan con usos y costumbres que comparten los futuros espectadores de series importadas, no sea que la gallina de los huevos de oro se muera de puro costumbrismo. Mientras en cuanto a vanguardia, arte, talento y osadía mediática la acción no está en MÉXICO.

UN PARÉNTESIS FRENTE A LA MORAL VIGENTE DE LAS SERIES DE TELEVISIÓN
El feminismo retorcido de la serie, con mujeres poderosas, inteligentes, creativas hasta la conspiración al parejo de los varones, pero no en aras de la democracia, la justicia, la recta moral. Nada de eso: en LALOLA no hay personajes morales monocromáticos: no hay doncellas cenicientas, madres abnegadas, luchadoras, honorables, no hay ningún modelo del bien.

Aguirre es la premonición de los freaks que ya pululan.

MIENTRAS TANTO EN MÉXICO.
La televisión seguirá viviendo de sus rentas vendiendo sus exitosas y convencionales series en CHINA, COREA, INDIA donde la densidad poblacional requiere soñar sin sobresaltos y al apagar la televisión recién acabando con la transición de la reconfortante novela o programa mexicana ir a la cama a dormir soñando con un orden familiar maravilloso. La suerte está echada para el destino de los refritos mexicanos que calcan a sus congénere sudamericanos, claro no es tan rápido, falta un tiempito.
CODA
Termino esto con mis parabienes para los guionistas de telenovelas y series mexicanas, espero que el olmo produzca peras, tengan libertad para crear, imaginar y seguir innovando, brille algo de oro en sus bolsillos y gozar el reconocimiento a su talento, de nuestra parte. Así sea.

EN BRUJAS: LA TRÁGICA MORAL DEL NEO NOIR

Dos gangsters irlandeses plantados en LONDRES después de un infortunado accidente fatal huyen a BÉLGICA a la ciudad de BRUJAS a esconderse y ahí transcurre una historia de remordimientos, homicidios, aislamiento, expiación de culpas, amistad, sacrificio, con una tupida intertextualidad, es decir referencias a filmes genéricos, noir o neo noir. Seguramente este nobel director es un gran artista en ciernes.

Pero no de la estirpe de TARANTINO o AVARY o POLLACK, si no más fino, a nivel de TOURNEUR, MELVILLE, SCORSESE, WOO, HUDGES o JOHN DAHL.

Estamos ante un director minucioso, cuidadoso del detalle que lo lleva a omitir ¡21 minutos! de escenas filmadas (se pueden justipreciar en el material extra del DVD, tres temáticas espesas que ya ustedes descubrirán y que de plano, él prefirió omitir). McDONAGH es un perfeccionista que calibró la articulación del guión, de su autoría y la técnica de su relato cinematográfico.

El film inicia y termina con un monólogo que nos da la clave para una lectura enmarcada en el berenjenal de la ética católica de irlandeses, matones a sueldo. El manejo del humor nos produce una disonancia perceptiva como sucede siempre que se asocia violencia y muerte con humor negro, con unos diálogos totalmente impredecibles, cuidando mucho el proceso de comprensión que ejecuta el espectador. El asunto moral del argumento cinematográfico es endiablamente complejo y con vigencia.

Los diálogos entre los dos tipos producen asombro, curiosidad y de pronto ya estamos bien inmersos en su subjetividad. Claro, se contagia el extrañamiento de los personajes en la ciudad de BRUJAS y poco a poco, a través de los diálogos y flash backs va uno penetrando en la gravedad de la trama.

Es en la reflexión final cuando uno se da cuenta que estuvimos en el cuerpo y en la mente de un tipo deprimido cuya alma no encuentra reposa en una ciudad, en temporada navideña y que este católico en sus propias palabras considera el mismo infierno.

Por fin pude ver la famosa ciudad belga BRUJAS; supe algo de ella leyendo una crónica del querido STEFAN ZWEIG, por curiosidad contrasté a la relectura lo que narra el escritor con las locaciones de la ciudad y el tiempo arquitectónicamente percibido, no se ha movido: calles adoquinadas, canales, catedrales, iglesias, cuidadosamente conservado todo. Dicen los que saben que BRUJAS rivaliza con PARIS en antigüedad, belleza, arte y cultura. Tan bella, que está inundada de turistas y vive de y para el turismo.

Seguramente la CÁMARA DE COMERCIO (SECRETARÍA DE TURISMO) belga estará encantada en la publicidad que hace el film EN BRUJAS, de su arquitectura gótica, parece recién desempacada, con sus canales muy bien preservados y un look a la vez bastante contemporáneo. Después de ver el filme me acordé de los cuentos de hadas, ogros y pillos de la edad media: tomaron sus originales de estas tierras y EN BRUJAS parece un cuento cruel y trágico acorde a esos irlandeses que después de un infortunado accidente fatal huyen a BRUJAS y ahí se narra una historia de aislamiento, remordimiento, homicidios y expiación de culpas. Pero no es posible tanta perfección, el malvado McDONAGH, nos da una fruta envenenada: la ciudad que nos muestra no es sólo el clásico tour para los hacinados turistas ---o como dice un personaje de TARANTINO "bullshit for the tourists" --- si no mayormente, la parte podrida e hiperactiva de la ciudad, los bajos fondos: prostitución, asalto a turistas, tráfico de drogas y quién sabe cuanta cosa más.

Los diálogos son chispeantes contrastan con el ritmo lento del film, diálogos violentos, irónicos, crueles. Pero en el fondo el filme es sobre la culpa el castigo el honor y la expiación: pura moral, pura ética
Estamos en las antípodas de BUENOS MUCHACHOS y ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA pues ambas son sobre la traición entre amigos y EN BRUJAS se trata de la fidelidad hasta el sacrificio entre colegas por estrictos principios morales.
El film inicia raro, se contagia el extrañamiento de los personajes en la ciudad de BRUJAS y poco a poco, a través de los diálogos y flash backs va uno penetrando en lo irresoluble del asunto.

La influencia de TARANTINO y RITCHIE se palpan, el modelo de diálogo entre matones, ese tono de estupidez, audacia, banalidad con destellos de intuición sobre la cotidianidad y revelaciones nimias sobre la comida, la bebida ---cuando uno le lleva al otro su cerveza de poco contenido y exclama "una cerveza gay para mi amigo gay" y se está zampando un tarro gigante---, anécdotas curiosas.

Sólo que hay un detalle a favor de McDONAGH, sus personajes son más versátiles, pasionales, intensos y verosímiles: comedia y tragedia a la vez y de alto octanaje;muestra abiertamente las pasiones humanas contradictorias que nos estructuran.

Vale recordar a McNAUGHTON cuando a propósito de su HENRY observa "quise plasmar a los personajes en su vida cotidiana, no son unos monstruos son personas, son humanos". Como los amigos matones de EL CÍRCULO ROJO, con una vida normal y una moral criminal.

Hasta ahí el parecido de EN BRUJAS con la tipología gangsteril de TARANTINO, RITCHIE, JOUNEN, o ALEX COX con su STRAIGHT TO HELL, porque en el fondo y en la superficie el tema es el cargo de conciencia por un asesinato injustificable, la traición, el honor entre mafiosos y el mundo que acorrala, aprieta y la sensación de no caber en una ciudad extraña, muy diferente a LONDRES.
En la interacción de los dos protagonistas alguien me refirió que son un ABOTT y COSTELLO pero con humor mafioso irlandés. Y a la vez el fondo el filme es sobre la culpa el castigo esperado del que uno se sabe merecedor, recordemos que esas son también las temáticas de un guionista muy estimado: SCHRADER de él son THE YAKUZA, TAXI DRIVER, ¿DÓNDE ESTÁ MI HIJA?: inmensos guiones.

Un filme disonante porque las carcajadas que provocan los diálogos y la actitud cutre de los matones contrastan con la gravedad de lo que les ocurrió y el desenlace inesperado.
Claramente se ve: estamos ante un film noir, o para el caso, neo-noir, es como un clásico de cine negro pero con más densidad existencial. Los protagonistas están en el fin de su mundo, en situaciones límite, no pueden volver a su cotidianidad, y ya no hay retorno.

IN BRUGES Y SU INTERTEXTUALIDAD CON EL FILM NOIR Y NEONOIR.
CINE NEGRO --- cuyo bautizo nominal fue en FRANCIA --- o FILM NOIR, debe de ser de bajo presupuesto, en blanco negro, debe de haber mujeres fatales, perversas, mentirosas, asesinas sin hijos y pistolas, inteligentes y calculadoras. Los hombres marginales, viviendo entre robos, crímenes, suicidios, homosexualidad latente o explícita, amistades y traiciones a morir.
En síntesis el cine de 1940 hasta antes del color, de ESTADOS UNIDOS, típico producto de bajo presupuesto y baja moral se fue imponiendo hasta que PARIS ----Ciudad luz, iluminó esas oscuridades creando todo un corpus teórico con una recepción muy sensible, para explicarnos las motivaciones, tramas y moralidad de esas docenas de películas cuya revaloración va teniendo lugar desde los años cincuenta a la fecha.

Pero queremos referirnos al cine negro reciente ---- o cine NEO NOIR que está encadenado a los elementos estructurales del CINE NEGRO, se caracteriza por la innovación tecnológica y la velocidad de la narrativa con look que dotan las tramas y los caracteres de más violencia y con una psíque más compleja.

Dos directores americanos, refugiados en EUROPA lejos del clima punitivo macartista con su autoritarismo político en ESTADOS UNIDOS, llegan a EUROPA con todo su bagaje. Tomemos sólo dos filmes THE CRIMINAL (THE CONCRET JUNGLE), de 1960, de LOSEY afincado en LONDRES y RIFIFI de 1954 de DASSIN, avecindado en PARIS. Son dos complejas tramas sobre gángsters honorables que inician mal y terminan peor. Parecen filmes manufacturados en ESTADOS UNIDOS. Por eso nos da gusto pensar que el cine negro se trasplantó y proyectó en EUROPA y para refrendar esa vigencia y tradición, ahí está EN BRUJAS.

Para otra ocasión estará el análisis de las referencias a DON’T LOOK NOW de NICHOLAS ROEG, de la cual EN BRUJAS se está filmando un pastiche homenaje y un enano es confundido con un niño con mortales consecuencias

O el guiño de McDONAGH a sus precursores cuando nos muestra uno de los buenos muchachos viendo en televisión TOUCH OF EVIL (SOMBRAS DEL MAL) que también trata del crimen, la confesión y la culpabilidad.

El paso del tiempo modifica la reflexión y la expresión estética de la condición humana. En EL CÍRCULO ROJO, de MELVILLE, el trato entre los mafiosos DELON Y VOLONTÉ respetuoso y de solidaridad hasta la muerte, al igual que en UN FLIC. Pero EN BRUJAS los caracteres son más violentos, ofensivos, escatológicos, irónicos. Así que, el cine refleja también el espíritu de época.

Se debe de vivir con honor, con unas reglas criminales que se deben seguir hasta la muerte si es necesario.
Recuerdo cómo en la novela archifamosa EL PADRINO, cuando se desata la guerra entre el bando de la FAMIGLIA TATAGLIA, BARZINI, CUNEO y CORLEONE, los soldati , es decir los gatilleros se van a vivir a casas vacías, donde sólo habrá colchones para que duerman y pasada la noche continuar las matanzas. Acuartelados estarán porque es una regla sagrada que no se puede tocar a la familia ---hijos, niños esposa, amante de los adversarios y funciona a carta cabal y si se infringe se paga con la vida. Este detalle romántico ---pues ya sabemos que una cosa es la ficción y otra es la vida real---- está muy presente en el film.

EN BRUJAS resulta excepcional en su género y debió costar unos cuantos euros. El talento no depende del costo de la producción. Sigue siendo un misterio por qué algunos filmes filmes son un éxito de crítica y de espectadores, qué bueno que sea así, el azar es una cosa seria.

Escritor de guiones y director irlandés, dotado de un sentido del humor corrosivo, con sensibilidad para dar cuenta de violencia, redención, perjuicio, y deber. Todo cabe en un buen guión, sabiéndolo acomodar. La atención y el respeto a los espectadores: el film abre con un monólogo de FARRELL novato hitman un hombre en fuga y atormentado por sus pecados de este católico irlandés y este discurso nos sitúa en el estado de ánimo propio para la vivencia adecuada del relato, nadie está diciendo que eso sea confortable.

Luego sabremos que él y su mentor con el que huyó a BRUJAS, son matones al servicio de un semi-psicótico un RALPH FIENNES alucinado (tal vez en su mejor caracterización) y mucho más mal hablado que cualquier personaje de TARANTINO y a nivel de los de RITCHIE --- con una boca llena de english profanities, groserías pues, que profieren en lexemas poéticos como fucking, fuck o bloody brillando en todo su esplendor varias docenas de veces. Pero apuntemos en descargo del personaje que interpreta FIENNES: es un devoto padre de dos niños y que la hipocresía no está de ninguna forma dentro de sus virtudes morales.

FARRELL vive el infierno en BRUJAS, es prisionero de su conciencia moral y de la embrujada ciudad medieval. Sólo amaina el remordimiento con bebida, droga, prostitutas y dos recientes amigos.Un enano actor y una bella joven en cuya pureza, bondad y belleza de su rostro son inversamente proporcionales a sus hábitos morales.

La mirada atormentada de los enormes ojos que siempre reflejan extravío y a cada rato mordisquéndose las uñas nos dan la tonalidad afectiva del filme:

Sin embargo FARRELL sabe que merece ese infierno o purgatorio y lo padece no sin ira. Se disfruta mucho la estructura del filme por la malicia del director a lo TARANTINO, para ir permitiendo que el espectador vaya descubriendo que todos los elementos del relato están relacionados entre sí, con humor, violencia y misterio. Y miren que visualmente se plasma hechos espeluznantes.

PARA TERMINAR, UNA LICENCIA DE MELÓMANO.
Es una arbitrariedad analogar códigos estéticos, pero EN BRUJAS me parece una pieza ejecutada por un cuarteto de cuerdas a la SCHUBERT, sí, de sus cuartetos tardíos donde se capta un sonido rasposo, casi ruido; o los cuartetos febricitantes de BARTOK, con una trama negra que angustia y no estalla en carcajada con las escenas violentas de pastiches a la TARANTINO. Con McDONAUGH la risa vira hacia el pasmo y el gemido contenido. Y es que la temática es acojonante, por favor no se pierdan los 21 minutos de escenas omitidas, véanlos y tal vez compartamos estados de ánimo.

Modesto y poco exigente que soy me basta esta opera prima de Mc DONAGH, tan radical y original como JOHN DAHL en sus primeros filmes él también guionista y director, para atisbar en él a un director de veras notable por original.

Mira que a estas alturas darle otra vuelta de tuerca al cine negro --- tan manoseado por artesanos y chambistas del film de "acción"--- y que sea una oleada refrescante de cine inteligente y diferente. Para mí eso es ya bastante.
Cuando uno ve un film noir o neonoir y se trata un asunto de honor ya sabemos que el axioma quiere decir asesinatos. No es cosa personal, como dice MICHAEL CORLEONE, strictly business:son negocios. Todo un principio y sentencia de esos hombres de honor (badguys=goodfellas). La palabra honor en boca de estos especímenes suena horriblemente cómica, más no fársica. Después de verla 4 veces, se puede aseverar de EN BRUJAS: “Este es un film básico, importante para ser experienciado de primera mano en toda su gloriosa visceralidad y horror. No estoy hablando de género gore si no constatar el talento para ilustrar el mal y la violencia”. Yo comparto el juicio.

El peligroso asesino que caracteriza GLEESEN, resulta bastante convincente a lo RIFIFI, al estilo EL CÍRCULO ROJO, UN FLIC; amistad, fidelidad, compasión, tutoría, solidaridad y dar la vida por ello.

Oigan, recuerden este nombre CARTER BURWELL pertenece al creador de la banda sonora, esperemos siga tan creativo. Les recomiendo que escuchen con atención la balada irlandesa que me puso a aullar de tristeza y es el papel tapiz adoquinado sobre el cual yacen ya en paz, tres cadáveres nada ilustres. Sea bienvenido McDONAGH con su arte hilarante, crispante, asombroso y que aborda estéticamente el mal y los laberintos que implican la toma de decisiones morales cuando se está en la depresión y los cargos de conciencia ante actos inexorables e irresarcibles. Si lo veo, le diré como a RECKARD en BLADE RUNNER le espeta el jefe de policía: "I need your magic". Y que nos recete otro film espeso.

Vale.

CHRYSALIS:LA ESTÉTICA REFINADA EN UN MUNDO INFELIZ.

De BLADE RUNNER a CHRYSALIS se ha ido forjando entre los cinéfilos el gusto por un puñado de filmes que de momento son inclasificables con sólo una o dos categorías.

Cine de inmixión de géneros: estilos, modelos, culturemas, ideas: cyberpunk, futurista, near-future, films noir, blue, gris; animé japonés, banda sonora etérea y de posicodelia, trance. No está nada mal que al igual que WELLES, TARANTINO o RITCHIE, JULIEN LECLERCQ nos ofrezca una pequeña joya, tal vez, con el tiempo vaya creciendo su culto. Es la errática y dinerera distribución y exhibición de filmes en MÉXICO, ya sabemos, made in HOLLYWOOD, los que seguirán inundando las salas y para CHRYSALIS seguramente no habrá oportunidad de apreciarla en la pantalla grande.

Los escritores y cineastas futuristas son pesimistas, es decir optimistas informados: la crisis medioambiental arrasará flora, fauna, atmósfera. En CHRYSALIS la organización social y política están en manos de un Estado tecnologizado, con formas de convivencia deterioradas. Lástima que casi siempre, este tópico, se plantee como lugar común, pero aquí, no es el caso. Estados y gobiernos como artífices del fin de la privacidad, contaminación y acumulación de poder. En este filme, se trata de no ser feliz, y los personajes arrastran su vida después de un gran trauma; de existir diariamente en la grisura de un futuro nanotecnológico donde la clonación humana, la ingeniería genética enfocada a las funciones superiores del sistema nervioso central y sobre todo a cerebro, son posibles y están en manos de instituciones privadas que operan al margen del Estado benefactor o liberal.
Estamos en el mundo que UMBERTO ECO y PONTECORVO auguraban como una posibilidad futura, desde los 60s en HACIA UNA NUEVA EDAD MEDIA; sí pero tecnologizada al máximo, más lo que se acumula. En ese mundo del futuro se despliega una historia de seres humanos autómatas, sufrientes, desolados en un individualismo a ultranza.
Un teniente se reincorpora al servicio en la Policía Europea para atrapar a un terrorista búlgaro y coincidentemente antaño, asesino de su esposa. Tras una intrincada investigación llega a una enigmática clínica de ingeniería genética. En un mundo donde las vivencias personales pueden ser desinstaladas de una persona y trasplantables a otra. Este futuro próximo y verosímil ---año 2025 en PARIS---, y en la línea de películas con una estética influenciada por BLADE RUNNER no es exagerada visualmente; ni la arquitectura ni el hábitat. La verosimilitud le va a dar permanenca y actualidad a CHRYSALIS, pues la ciencia ficción es a nivel de ingeniería genética ya presente ya en las sociedades contemporáneas.

Esta prodigiosa tecnología capaz de borrar de la mente los recuerdos, claro de los inmigrantes con los cuales se trafica y se usa su cuerpo o el cerebro no altruistamente, si no al servicio de cárteles mafiosos y terroristas con fines bélicos. Lo notorio en este filme como en otros de sus congéneres es que moralmente no se puede determinar la nitidez de la moral: todos corruptos, violentos, fraudulentos,. Individualistas, hedonistas ambiciosos.

Como en MATRIX, la memoria humana es un bien muy codiciado es la crisálida CHRYSALIS es obra de cuatro guionistas, entre ellos el director y contiene los elementos cinematográficos para crear una intertextualidad agradable porque el espectador va estableciendo influencias con MATRIX, THX 1138, IMMORTEL mas los filmes arriba mencionados. Encuentro una coincidencia entre DOCE MONOS, BRASIL y CHRYSALIS, el pesimismo. Sospecho que el silencio, y el ninguneo pesa sobre DOCE MONOS, pues pasó sin gran notoriedad: tal vez por ser pesimista, como también lo es CHRYSALIS. Y es que cómo estamos tan acostumbrados a los finales edificantes.

Pero el culmen de la ironía de GILLIAM es la voz de LOUIS ARMSTRONG cantando una apología al mundo cuando ya no habrá humanidad, aunque el filme es demasiado serio y está un poco lejos del humor y radicalidad de TERRY GILLIAM, el hecho de que el protagonista tenga la opción de elegir una nueva vida o continuar con la propia, se vuelve algo metafísico inquietante. Es esta dimensión tan posmo (ácrata, virtual, individualista, sentimentalmente aséptica, de solitarios, anónima) a nivel estético donde el director muestra un gran esmero y talento: ojo con la composición de los planos. por los detalles cuidadísimos como se puede ver en el CÓMO SE HIZO y las ENTEVISTAS a LECLERCQ y los técnicos. Y no olviden que apenas es su opera prima.
BLADE RUNNER es sobre la memoria, como MATRIX, La crisálida a la que se refiere el filme --- en un trasfondo de tráfico humano de memorias y cuerpos --no es una ninfa de los lepidópteros: es la memoria extraída a individuos seleccionados y almacenable en gadgets digitales, para posteriormente ser implantada y así moldear las conductas de los nuevos portadores.

La trama de CHRYSALIS se desarrolla a un ritmo pausado, nosotros vamos participando con el teniente en averiguar los hechos, con la información dosificada. Y la elipsis como recurso resulta inteligente, sugestivo, en este thriller blue, más bien gris, con el timing propio del cine europeo, e intenso con un despliegue visual alucinado donde se nota la influencia de las coreografías de artes marciales que han pasado por el tamiz de LUC BESSON al estilo de EL BESO DEL DRAGÓN y a destacar los espacios muy reducidos en donde transcurren, un amigo dijo que era como bailar danzón en un ladrillo, todo arte, técnica y precisión.

Sin embargo en la correlación entre la estética del mainstream y el de la contracultura francesa hay una gran distancia. Primeramente la estructura del relato cinematográfico es diferente pues no hay abominable historia de amor. Podemos comparar las temáticas sentimentales del film blue y gris de las obras más significativas. Aún con toda la influencia del animé y el comic sobre la cinematografía fashion ha sido imposible no manejar estereotipos sentimentales. Claro, la causa es la taquilla. Eso hace que las secuencias sigan el esquema de lo clásico y habitual. Es comprensible como NOLAN y DEL TORO tengan que doblegarse a los dueños del gran capital, los productores y tengan que meter el infame modelo romántico y edificante en sus más recientes filmes.

En CHRYSALIS no hay love story, a lo más solidaridad entre hombre y mujer. Hasta en la cuasi perfecta BLADE RUNNER la historia de amor arruina la temática central. Hagan memoria y piensen si no en TODOS los filmes de ciencia ficción por muy futuristas, la love story se mete con calzador. CHRYSALIS nos adelanta por donde va a caminar el manejo de las relaciones humanas, de qué va la nueva estética de futurismo totalmente posmo, en sus componentes ideológicos. Cuando mengue el contenido edificante de las producciones CYBER, ANIMÉ, BLUE, GRIS, MARGINALES, estaremos en una vuelta de tuerca sin retorno en cuanto a una nueva subjetividad del espectador.

Pero hay algo que nos deja asombrados: CHRYSALIS es visualmente apabullante por ser un film desaturado de color en donde todo su mundo aparece esculpido en sombras de gris metálico.

En el momento climático de la cirugía cardiovascular que ejecuta la doctora, se escucha un fragmento de un dueto femenino ----VEN MALIKA --- de la ópera LAKMÉ de LÉO DELIBES, esto es un guiño intertextual para los SCOTT obviamente, pero este motivo musical ya se puede rastrear en varios filmes. En algún momento deberemos hacer una búsqueda intencional para una interpretación de los filmes ligados por este pretexto musical; interesante, ¿no?

LOS HOMBRES DE PACO y LOS TRES CHIFLADOS: INTERPARES

En las series españolas para la televisión --- LOS SERRANO, EN DOS TACONES, AQUÍ NO HAY QUIEN VIVA, CUÉNTAME CÓMO PASÓ, JURCAL—lo que más disfruto es el lenguaje, la inventiva verbal. Con la calidad digital del audio se acabó eso de que a los españoles no se les entiende cuando hablan y la broma de la necesidad de los subtítulos en castellano.Pues en 2005 se exhibió en ESPAÑA, LOS HOMBRES DE PACO, una serie con características notorias y marcadamente diferentes a las que arriba menciono.

A través de las visicitudes de tres policías ---- investigadores de narco, secuestros, homicidios, terrorismo --- nos asomamos a la España cutre, sin pijoterías en un deleitable tono de comedia negra. Tres protagonistas centrales pendejos, absurdos, ingenuos, ineptos, se comportan como LOS TRES CHIFLADOS. Así de grata me parece esta serie, por eso la comparo con talentos de la comicidad de unos clásicos. Para los que no gustan viajar a ESPAÑA porque el euro anda por las nubes o porque tratan a los sudacas de la hostia, les recomiendo capten esta visión crítica, amarguita, e irónica de la identidad española madrileña.

Ha sido una grata sorpresa ver desde hace veinte años el milagro español: en filosofía, novela, pintura, arquitectura, psicología, literatura, diseño, fashion, música España está a la altura del nivel internacional; además en turismo, ESPAÑA es y siempre lo ha sido, la hostia tío.

En LOS SERRANO, AQUÍ NO HAY QUIEN VIVA, EN DOS TACONES, nos enteramos de la idiosincrasia de las clases medias y un poquitín altas, a veces, resultan elegantes. Sin embargo LOS HOMBRES DE PACO, resulta vulgar, ambientada en barriadas pobretonas, zonas habitacionales saturadas, vecinos invasivos, impunes, agresivos, entrometidos, violentos. Con un poco de calma uno puede observar una crítica irónica al modus operandi de la policía española: la corrupción, la burocracia laberíntica, la falta de personal, de recursos, de capacitación del personal y sobre todo la vida problemática de cada uno de los protagonistas. Nos tiene gratamente impresionados la calidad de los guiones, los diálogos son admirables, y el humor negro bastante deleitable.

Todos los actantes están psíquicamente tronados, sobre todo las curris; la hija, la esposa, el suegro de PACO y él mismo. Mención aparte merece el actor PEPÓN NIETO --- ya lo habíamos captando en su talento histriónico y su vena cómica en DESCONGÉLATE y LUCAS ME QUERÍA A MÍ ---- pero aquí está más gracioso y estúpido que nunca. ALMÓDÓVAR, originalísimo supo captar el idiolecto pirado, delirante, perturbador por absurdo de las mujeres españolas, consideramos que hay en estos guionistas de LOS HOMBRES DE PACO una profunda influencia al delinear los discursos de BERNARDA con la proteica actriz NEUS ASENSI ---que parece repetir su papel de LAS MARUJAS ASESINAS.

La serie es del 2005 y me llama la atención la autopercepción que tiene los españoles de su producción cinematográfica y novelística, hablan de que están secos creativamente, que se han estancado. Recuerden en UNA DE ZOMBIS, la fuerte crítica ácida al cine español.

Con todo el cine español que hemos visto recientemente a la distancia desde MÉXICO, sentimos que la creatividad española está desatada, en la VASCONIA, BARCELONA, GALICIA, MADRID, Y, francamente no percibimos ese estancamiento o sequía. Sí ALMODÓVAR ya termino desde hace diez años con su vena creativa, pero ha creado legión de realizadores y no sólo imitadores, lo mismo afirmo para BIGAS LUNA.
Una pequeña observación; cuando veo una serie de televisión mexicana los galanes están impecablemente vestidos, rasurados, visten a la moda y los escenarios están muy cuidados y resultan kitsch. Curiosamente resultan series anacrónicas, como estar viendo seriales americanos de los 80s y 90s: son absolutamente inverosímiles.

En cambio las series españolas, argentinas, colombianas, huelen, saben y se ven verosímiles, se ve la mugre de las fonduchas, los hombres macilentos, mal afeitados, hablando escatológicamente, las paredes no recién pintadas, la vestimenta arrugada, las mujeres no salen en sus mejores ángulos, y esa es la virtud de la autenticidad, son como un espejo de sus sociedades.

En las series mexicanas todos son bonitos, ricos o pobres con suerte y siempre hay una cenicienta guapa. La verosimilitud es una categoría estética imprescindible y cuando hagamos un análisis comparativo entre CAFÉ CON AROMA DE MUJER, YO SOY BETTY LA FEA, EN LOS TACONES DE EVA, LOS SIMULADORES, HERMANOS Y DETECTIVES Y MUJERES ASESINAS y sus remakes mexicanos analizaremos específicamente la superioridad de las series colombianas y argentinas.

LO QUE EL DVD SE LLEVÓ

INTRODUCCIÓN EUFÓRICA

Cuando me traían los amigos un film en VHS, de esos inconseguibles, uno de JEAN-PIERRE MELVILLE o ANDRZEJ ZWLAUSKI me duraba la alegría meses al verlos colocados ahí junto a sus pares, pues el mejor sistema es clasificarlos por directores, géneros, pero todo en orden alfabético.

Por ejemplo si voy a la letra C, está CASAVETTES y al lado, van los CORTOMETRAJES, así si no lo encuentro por nombre del director el filme, tal vez se localice en género o tema. La sensación de ver los VHS de HIDEO GOZHA (THE WOLVES) o DOUGLAS SIRK en su sitio y tomar alguno para introducirlo a la videocasetera era un goce.

Luego, lo ponía en su lugar y me imaginaba que mis hijos estaban durmiendo y yo, escuchando su respiración apacibles, seguros en casa.

Y crecía y crecía la cantidad de videos de cineastas clásicos: MIZOGUCHI, TESHIGAHARA, OZU, BRESSON, LANG, CIMINO, FRANKENHEIMER, EGOYAN, JANKSO, VISCONTI, WOO, WATERS, en fin todo lo que hay que tener imprescindiblemente.

También caían a mi red filmes copiados de la televisión ----- así me hice de ODD MAN OUT de CAROL RED, MUÑECA REINA de OLHOVICH, INDIA SONG de MARGUERITTE DURAS, de filmes centroeuopeos checos o húngaros, soviéticos, documentales sobre cine alemán y un gran etcétera.

Entonces, llegó el VIDEOLASERDISC (VLSD) a México y TOWER RECORS y MIX-UP inundaron sus tiendas con cine estadunidense que amamos o francés, italiano, sueco, japonés. La imagen y el sonido de los filmes en este formato fueron impresionantes, por ejemplo MAD MAX: EL GUERRERO DE LA CARRETERA O APOCALIPSIS AHORA.

Fue el adiós a los ruidos, los saltos, la calidad a veces infame de los amados VHS. Con varias ventajas: la excelsa calidad de la imagen el sonido, el trackeado de los filmes que te permite ver el segmento deseado: los ojos de la contrahecha, desnutrida y plana ANITA EKBERG, la voz de la delgaducha y fea SHARON STONE, o la monja LENA OLIN en LA SANGRE DE ROMEO, y en unos segundos están SÓLO PARA TUS OJOS.

Para fortuna nuestra, las portadas de los VLSD son del tamaño de los acetatos LP de música y ustedes saben cuán disfrutables son las fotocomposiciones que son las portadas que derrochan arte y creatividad.

Fueron años mágicos: coexistían en mi choza, filmes en todos los formatos: poquitos super-ocho, y abundantes BETA, VHS y VLSD originales, más los otros filmes o documentales grabados de la televisión. Pero, ustedes saben siempre hay algo de horror en el paraíso: si llegaba un VHS de ESPAÑA, de FRANCIA o cualquier país europeo tenías que pagar un tránsfer carísimo para poder verlo.Pero valía la pena, por supuesto.

Lo más doloroso era el costo de los VLSD: si querías NAPOLEÓN de ABEL GANCE, THE KILLER de JOHN WOO, LES VALSEUSES de BERTRAND BLIER o LOS OLVIDADOS de BUÑUEL, tenías que dejar a tus niños sin comer o no pagabas las colegiaturas o de plano no le comprabas a tu mamá sus medicamentos contra la gota y la diabetes.

LA TRAGEDIA DEL VIDEOLASERDISC.
Es como la tragedia de los aviones CONCORD, demasiado caros, hermosos, elegantes, grandes y pesan lo que valen, es un peso divino como el del oro, y su brillo y sus rayos argentados e iridiscentes son hinópticos. Pero la aristocracia está pasada de moda.

Cuando ABEL GANCE terminó su obra magna NAPOLEÓN no pudo disfrutar de buena acogida pues el cine sonoro era la sensación mundial y su obra, desgraciadamente, era silente, fue una tragedia para el cine, pues fue hasta los noventa cuando COPPOLA, LUCAS y compañía la digitalizaron y sonorizaron con música épica y romántica de CARMINE COPPOLA; su premier en el CINE LATINO fue apoteótica, la vimos varias veces para asimilar las cuatro horas de duración.

Cuentan que cuando fue el estreno en NUEVA YORK se lo comunicaron a GANCE y aunque el nonagenario artista lo agradeció, dijo amargado que era demasiado tarde. Pues sí, el VLSD se lanzó al estrellato demasiado tarde; unos enanos, cuasi clones de ellos resultaron más veloces, versátiles, ligeros como el peso de los sueños, mejores políglotas que SALVATORE el monje de EL NOMBRE DE LA ROSA, chismosos, baratos, cómodos, mejorables al infinito y fácilmente atesorables; y por el mismo precio te regalan BONUS, para que te asomes a husmear CÓMO SE HIZO el film, mas cortos, entrevistas, escenas omitidas y hasta documentales y críticas ilustradas.

Era la misma situación del TERMINATOR II SCHWARZENEGGER frente al TERMINATOR último diseño nanotecnológico e invencible. Y fue así: con azoro, asombro y lágrimas y regocijo reconocimos que esos endiablados ENANOS TAMBIÉN COMENZARON DESDE PEQUEÑOS y se volvieron huéspedes de honor en la casa.

La gran tragedia del VLSD está compuesta por varios factores: eran caros, más bien carísimos, sin opciones de subtítulos, casi siempre los más, de cine estadunidense, aunque también algo de cine europeo; los reproductores estaban también a precios que te hacían flipar tío.

Es decir era vicio para ricos o para suicidas económicos. Tuve un amigo cuyo nombre quiero guardar en el anonimato quien coleccionaba VLSD: no lo creerán pero vi en su casa LA VENGANZA ES MÍA de IMAMURA en una bellísima edición de CRITERION con unas fotografías de pasmo, NAPOLEON, de GANCE, caja de tres discos; THE KILLER de JOHN WOO, también caja de tres discos; LOS SIETE SAMURAI, EL SÉPTIMO SELLO ---estoy hablando del año 1990---, SUSPIRIA de ARGENTO, EL CONTRATO DEL DIBUJANTE y DROWNING BY NUMBERS de GREENAWAY, SOLARIS, ANDREI RUBLIOV y todo TARKOVSKI, LABERINTO DE PASIONES de ALMODÓVAR, mucho FELLINI, BERGMAN, ALLEN, FILM NOIR. Tenía mi amigo, clasificados y contabilizados 600 títulos.

Mi amigo tuvo problemas financieros, todo se lo gastaba en TOWER RECORDS, su esposa molesta lo abandonó primero sentimentalmente y luego le pidió el divorcio. Yo todo generoso y desinteresado le di asilo en mi casa y así servía que veía sus joyas cinematográficas. El cielo es testigo, mi amigo murió en extrañas circunstancias, yo no tuve nada que ver, como consta en las hojas de la investigación legal. Su esposa inconsolable me pidió que me quedara con todos los LASER DISC y reproductores, pues a ella le traían lúgubres recuerdos. Yo triste, tuve que aceptar su voluntad, no me quedaba alternativa.

Les reitero soy inocente, no tuve que ver nada con su muerte ni fue una ardid para quedarme con todo y aunque no me crean aún hoy, preferiría su amistad y su presencia, lo digo desde el corazón, sinceramente, me deben de creer.Yo por mi parte cuento con cinco reproductores de LASERDISC, nunca me deshaceré de mis discos y para seguir con mi buena fortuna, sucedió algo inesperado. Mis amigos me comenzaron a regalar filmes en LASERDISC a granel. Tengo tres veces TERMINATOR, dos THE FIRM, tres LOS OLVIDADOS, tres APOCALIPSE NOW! y así por el estilo. Me cuentan que la gente los confunden con LPs acetatos o los rematan a precios de risa.

Como no todo está en DVD y las portadas son regias, y ocupan poco espacio, sigo disfrutando este formato; no hace mucho vi otra vez un thriller de PAKULA con un sonido y una trama excelente: EL INFORME PELÍCANO. Les informo, por si no lo saben, que en un 90% los VLSD o están subtitulados en inglés o traen close caption, lo cual hace más apetitosa la sesión de cine.

No cabe duda lo mejor de la vida es gratis, pues así me resultó con el VLSD. No pasa semana que no me obsequien dos, tres o más títulos. Los amigos que ganaban bien compraban estoicamente VLSD hasta que la inflación de 1994, los volvió un producto de superlujo, al igual que los VHS de importación.

Pero se estaba gestando a nivel planetario un giro tecnológico para la codificación de imagen y sonido. Y se creó el DigitalVideoDisc (DVD). Por 1993 habíamos ya leído en una revista de divulgación científica francesa el fundamento del funcionamiento de esta tecnología de inminente comercialización.

Y antes de tener los filmes en DVD, ya estaban los cinéfilos informadísimos sobre los pormenores en ventajas y cualidades de este nuevo formato.

Los primeros reproductores de DVD que se vendieron en México -- SAMSUNG -- en esos años tristes de inflación galopante, costaban un dineral, imagínense, con el precio de uno, ahora se pueden adquirir !28 reproductores! de DVD aptos para todos los formatos, pues los primeros sólo reproducían DVDs de región 1. A esto le llamamos una revolución tecnológica y nos sentimos tocados por la gracia de LUMIÈRE.

Pero ahí no quedó el milagro, los filmes en DVD empezaron a llegar a MÉXICO, provenientes desde los más lejanos países asiáticos; de CANADÁ, ARGENTINA, RUSIA, AUSTRALIA. Estamos aún asombrados con tanta dicha y muy felices con nuestros fabulosos juguetes.

Un amigo me dice que la piratería es un fenómeno mundial complejo con múltiples causas. En primer lugar está el factor económico: los países productores discos y reproductores DVD pagan una mano de obra muy barata y exportan cantidades impensadas. Por otro lado grabar un filme en DVD es relativamente fácil y a bajo costo. Y la calidad, siempre va siendo mejor.

Los cinéfilos estamos en el mejor de los mundos posibles, disfrutando el lado generoso de la globalización nanotecnológica. Quién fuera a pensar que la música y el cine en formatos de discos digitales fueran a resultar un regalo por lo barato.

Sólo es necesario tener la información y un poco de tecnología para gozar de tales maravillas culturales. Tener los filmes amados listos para ser apreciados con la mejor reproducción tecnológica no es tan caro: ARCADIA TODAS LAS NOCHES Y TODOS LOS DÍA. EL PARAÍSO AL INSTANTE.

LA BREVE HISTORIA DEL FORMATO BETA
De Japón vino, SONY la introdujo, pero la duración de la cinta BETA resultó a la larga menor que la del VHS. Además la vecindad con ESTADOS UNIDOS nos obligó a adoptar ese formato VHS y ya por 1985 se podían ver remates de filmes en BETA; el surtido era espléndido, yo conservo POSSESSION de ZWLAUSKI, varias de ALLEN, ALARIDO (THE SHOUT) de SKOLIMOWSKI, varias de MARIO BAVA y mucho del cine clásico de todos los países.

Su desaparición fue veloz. Aún tengo mucho cine en BETA que aún no está en DVD, pero poco a poco se va produciendo, hay que ser pacientes. Todo saldrá en DVD y será fácil adquirirlo: ahora el mundo es redondo y global.

UN DILEMA FÁCILMENTE RESOLUBLE.
Los VHS, ocupan bastante espacio si lo comparamos con el de un DVD en un estuche ultraslim, al cuatro por uno, y eso sin hablar del MINIDISC que es una miniaturita asombrosa. Ha llegado la hora de regalar y donar los VHS, con y sin nostalgia.

Consulté a mis amigos cinéfilos y coleccionistas, les pedí que me aconsejaran qué destino darle a mis VHS, pues son bastantes y todos con excepción de Pepe Návar me dijeron que se los obsequiara, que les dejara escoger algo, y que los restantes los vendiera en el CHOPO a 6 pesos cada uno.

Yo acepté todas sus recomendaciones. Sólo Návar fue más drástico, tira todo, pues todo va a salir en DVD, me dijo, sólo quédate con las rarezas y las ediciones lujosas o bellas.

Yo, obediente hago todo lo que me dicen: algo para el señor de la basura, otro tanto para los amigos y para los cinéfilos que se dan cita sabatina en el CHOPO y otros tantos para mí. VÍCTOR amigo mío, artista, diseñador y creador de originales animés me aconsejó guardar las portadas. Todo lo he cumplido. Lo hago sin dolor pues es tan gran negocio la nostalgia que todo, todo se va a conseguir en DVD.

Los VHS originales estaba a punto de regalarlos y una amiga se ofreció a guardármelos en su casa porque tiene espacio adecuado y además, toda samaritana, se encargó de transportarlos y en el colmo de la generosidad ¡los dispuso en orden alfabético! Todo lo demás, son regalos a amigos y choperos, o para el señor de la basura. El VHS es actualmente una pieza de museo, sólo los necios y ciegos los atesoran, son los nuevos anticuarios de la época tecnológica.

Con el DVD salió cierto lo de "SMALL IS BEAUTIFULL". Larga vida al reinado de este versátil formato para filmes.
“CINÉFILOS DE TODO EL MUNDO UNÍOS, NO TENÉIS NADA QUE PERDER EXCEPTO VUESTRAS CADENAS”

BEGOTTEN: ENGENDRO POÉTICO Y TERRIBLE

SINOPSIS: El filme inicia en el campo, en una casa derruida, sin ubicación en el tiempo. Con una fotografía en blanco y negro, de textura granulada. En la habitación semivacía y en escombros, el Dios, vistiendo una túnica clara, está sentado en una silla, además porta una capucha. Sólo se le aprecian un par de ojos desmesurados y en constante movimiento: está a punto de autoinmolarse.

Porta en su mano derecha una navaja larga y con movimientos torpes, poco a poco, se va abriendo el abdomen y extrayéndose las vísceras. El ruido de los líquidos corporales que chorrean desde su vientre hasta el piso, no deja de escucharse. Luego, yace muerto, inerte.Paulatinamente, de los despojos del Dios, surge una mujer de bellísimas facciones que se le aprecian claramente a pesar de que porta un antifaz: es la Madre Tierra. Inicia una danza lenta por toda la habitación que se va inundando de luz y avanza hacía el Dios, toca su cuerpo, acaricia y estimula su miembro viril y con el semen de la eyaculación se autoinsemina.

Durante meses danza por el bosque, luce un abdomen de embarazada que cada vez se nota más prominente. Después da a luz al Niño-Hombre, un engendro ---begotten ---, macroencefálico y tembloroso.
Los habitantes del poblado reverencian a la Madre y al Hijo, mediante complejos y extraños ritos. Un día la Madre Tierra decide abandonar el poblado, llevándose a su Hijo. Cuando los vecinos se percatan, impiden violentamente que Madre e Hijo se vayan. Los linchan, los torturan, los sacrifican ritualmente, destazándolos y los entierran. De sus tumbas brotan flores y vegetación inmensas.

LA RECEPCIÓN DEL FILME.
Estamos ante una obra encomiable que objetivamente consta de nimios recursos expresivos, además sólo dura 76 minutos. Seguramente esto potencializa la eficacia narrativa del filme. No hay diálogos, pocos personajes (tres), música y sonidos etéreos, hipnóticos (nos hizo recordar AMBIENTS de BRIAN ENO), y todo en blanco y negro.

Si en el reparto no se designara con un nominación a los actantes, nos enredaríamos más en la interpretación de los pocos elementos estructurales tan polisémicos que tienen un soporte al menos de más de dos mil años de tradición para su desciframiento.
A lo largo del relato se van diseminando ciertas huellas, trazos o claves para una posible interpretación, que en este caso, podemos aseverar que tiene que ser unívoca pues hemos aprendido de Umberto Eco que las interpretaciones de una obra, semióticamente ejecutada tiene límites. Estamos pues, ante la plasmación cinematográfica de mitos y ritos.

El ritual del sacrificio

Bienvenida una obra que marginal, casi clandestinamente (hasta donde sabemos nunca se exhibió en México) se va abriendo paso entre los cinéfilos anónimos, comentándola con entusiasmo y ayudándose mutuamente a desentrañar tan enigmático begotten, es decir, engendro.
El eje del filme es la muerte - nacimiento- muerte- resurrección- florecimiento de la carne y de los huesos que toda entidad viviente cumple. A pesar de esta certeza, subyace una realidad misteriosa, incomprensible mediante la verbalización y la escritura: estamos ante un poema oscuro y febricitante.

GEORGES BATAILLE escribió abundantemente sobre la muerte, el erotismo y los ritos que se han creado en las diferentes tradiciones culturales para ser representados. BEGOTTEN es el grano de arena para seguir la cadena de las representaciones y así se constituyen las interpretaciones. Pero no olvidemos que que en el trasfondo, la realidad tiene un misterio oscuro y luminoso y a veces, lo podemos atisbar en el silencio y en los momentos privilegiados y excepcionales, rituales, trascendentes. En el filme se narra eso, con una económica sintaxis: los mitos y los ritos se pueden narran en tres o cuatro líneas o frases.

Como en un poema BEGOTTEN no se puede agotar en un análisis pormenorizado, ni en las interpretaciones. Este es uno de sus méritos: ante la abigarrada profusión de recursos materiales y estéticos en el cine convencional, esta obra cala en la carne y los huesos de cada espectador y comenzamos a balbucear una interpretación por mínima e insignificante que sea.
BEGOTTEN a 18 años de su realización, se puede inscribir en el género gore, pero es más que filme de culto: es filme culto, complejo, desagradable, turbador, oscuro e hipnotizante.
BEGOTTEN: UNA OBRA IMPRESCINDIBLE.
En un filme sin diálogos, un poema se despliega antes de cualquier imagen.

Seres hablantes fotógrafos, escritores de diarios personales,
Ustedes con su memoria, están muertos congelados,
Perdida en un presente que jamás cesa
Aquí habita el conjuro de la materia:
Un lenguaje perenne cual flama ardiente
Lejos de la oscuridad, la vida es carne y hueso,
convulsivantes sobre la tierra.

Un poema negro, telúrico, primigenio y misterioso, pero ahí está una clave para comprender el filme y a la vez resulta una declaración fundamentalista de principios estéticos que configuraron el sentido de la obra.
Un filme es un microcosmos, una lanzadera de signos a nuestra disposición. Hablar, dialogar es simbolizar al mundo Pero, ¿qué ocurre cuando un filme nos arrebata tales elementos constituyentes de cualquier relato cinematográfico contemporáneo? Obviamente la intención del realizador es llevarnos a los fundamentos del sentido que él proyecta. Estamos en un juego cruel que minimiza los elementos narrativos, así, potencializa los significados y por ende las interpretaciones. Estamos presenciando rituales y nos comportamos ante tales como iniciados a un acto más que estético, ontológico.

BEGOTTEN Y SUS CONGÉNERES.
Inevitablemente recordamos por asociación estilística, temática, de género y de época a BEGOTTEN, ERASERHEAD, TETSUO: THE IRON MAN. La estética del blanco y negro, argumentos por demás complejos, polisémicos y originales. Ausencia de diálogos o si los hay son brevísimos. En las tres obras hay elementos sobrenaturales o claramente fantásticos. Nos llama la atención que pese a la brevedad de las tres obras, dos no pasan de 76 minutos, sólo ERASERHEAD es de 92, y poseen varios niveles de interpretación pero hay un “aire de familia” , un espíritu de época entre ellas: el gore, las vísceras, la sangre.

Después de haber realizado UNA TEMPORADA EN EL INFIERNO, PEDRO PÁRAMO o BEGOTTEN, ¿para qué intentar crear otro poema, otra novela u otro filme?

REFERENCIAS FÍLMICAS.

EL MANANTIAL DE LA DONCELLA, de BERGMAN.

LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERA, de CRAVEN.

INVITACIÓN AL VIAJE, de PETER DEL MONTE.

EL EVANGELIO SEGÚN MATEO de PASOLINI.

LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO, de SCORSESE.

HAXAN: LA BRUJERÍA A TRAVÉS DE LOS SIGLOS, de PETERSEN.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS.

LOS DOS NACIMIENTOS DE DIONISIOS, de ROBERT GRAVES.

LOS MITOS GRIEGOS, de ROBERT GRAVES.

LA DIOSA BLANCA de ROBERT GRAVES.

EL EROTISMO, de GEORGES BATAILLE.

EL ORIGEN DE LA FILOSOFÍA, de GIORGIO COLLI.

LA RELIGIÓN EN EL CINE, de IVAN BUTLER.

LAS DIEZ CARAS DEL MIEDO, de RUBÉN LANDÍN.

A SHINE LIGHT. DOCUMENTAL SOBRE THE ROLLING STONES.

A SHINE LIGHT. DOCUMENTAL sobre THE ROLLING STONES de MARTIN SCORSESE.

El recientemente doctorado -- a fines del 2007 --- en egiptología musical londinense, el arqueólogo MARTIN SCORSESE, dio a conocer al mundo, su hallazgo logrado --- impacientemente esperado por melómanos roqueros nostálgicos y cinéfilos esperanzados --- en profundas excavaciones en Estados Unidos. El resultado es decepcionante, aburrido, plano, deja vu, sin chiste, sin gracia, sin novedades. No cabe duda: esta obra es sólo para arquipaleomusicólogos aficionados al rock londinense de los sesentas.
El trato que le da TUTANKAMON JAGGER al arqueólogo SCORSESE es humillante para los cinéfilos que lo vimos. Todos se inclinan ante SUS SATÁNICAS MEGAMILLONARIAS MAJESTADES y SCORSESE no fue la excepción. La gran estafa, no sólo lo fueron SEX PISTOLS, hay mucha tela de donde cortar. La foto de RICHARDS junto a B.B. KING no se la merece el mediocre guitarrista inglés dizque blusero.
Las canciones naftalinosas viejas y buenas las ama uno como a un suéter o un auto viejo, pero.... RICHARDS nunca tocó mejor que BECK o PAGE, ni JAGGER canta mejor que PLANT o Mc CARTNEY y ese baterista cuyo nombre no quiero recordar es punto y aparte, siempre fue un fraude.
Sin duda, estamos ante la peor obra de SCORSESE y que conste: su experiencia en documentales musicales viene desde el mítico festival en WOODSTOCK. Se trata de un producto totalmente artesanal. Los reto a encontrar un solo rapto de virtuosismo cinematográfico, de esos a los que nos tiene acostumbrados SCORSESE y ¡había posibilidades! pues A SHINE LIGHT dura 121 minutos .
Un trabajo vergonzante del gran director y sin duda será una obra fetiche para los adictos al grupo musical. No hay más qué decir si no los chismes del mainstream sobre el aspecto de los músicos, el vestuario, su desenfado y el nada interesante sonido del grupo.
Los músicos divos se negaron a darle a conocer a SCORSESE la secuencia de las canciones a interpretar (track list) él, muerto de nervios y molesto, se le ve comiéndose las uñas en el filme, porque si ignoraba el orden de las piezas no iba a poder planear sus tomas con el decoro y la meticulosidad a la que nos tiene habituados.
En fin SCORSESE decidió aceptar, desde el reino de su voluntad, este trabajo arqueológico que hubiera sido más bueno para CUALQUIER artesano de HOLLYWOOD, famélico de fama.
Para mí no fue gozoso entrar a EL TÚNEL DEL TIEMPO, sin embargo, a ustedes estimados masoquistas les deseo desde el corazón que sufran para su mayor placer con A SHINE LIGHT.
La música, el cine, la literatura no tienen que ver con la edad, lo importante es renovar la tradición, con rupturas y novedades.
Más viejo o más joven un artista, no quiere decir mejor o peor: la esencia es la aventura: el riesgo al apostar a la novedad. Pero a estas alturas quién les pide a los ROLLING o a SCORSESE una milagrosa renovación...
LOS ROLLING STONES son parte de la historia del rock por sus actitudes rebeldes, su bendición al mundo para el uso lúdico de las drogas, la antisolemnidad y la imagen de antagonismo ante los bonitos y románticos BEATLES ---aunque no olvidemos que en el inicio de los tiempos, cuando estuvieron éstos en ALEMANIA, los caramelos y juana fueron algo cotidiano ---. Además los ROLLING pantagruélicos en el backstage, con sus homéricas y célticas bacanales y sus tragedias reales y mediáticas fueron la ilustración y la premonición de lo contestatario para los mal portados, los padres que hubieramos querido tener; hasta son los abuelos pirados de CAFÉ TACUBA. Luego, ya sabemos, el dinero los alejó del arte y los acercó al jet set e hicieron lo que todos quisiéramos hacer con varios milloncetes.
Pues larga vida a estas estrellas famosas, artistas temporales. Nosotros preferimos irnos a escuchar música de nuestro agrado y luego, cuando haya tiempo, leer en las revistas de la farándula rockera las novedades mediáticas de este grupo musical que tiene mesmerizado al mundo.
De los poetas, con excepción de SHAKESPEARE y ese colectivo llamado por la posteridad HOMERO, sólo quedan tres o cuatro versos. De los ROLLING quedaron tres o cuatro obras, pues ya venían empujando briosamente los rockeros PROGRESIVOS mientras ellos se forraban de todo lo bueno de la vida y sus rostros están historiados para dar testimonios de ello.
Me encanta la escena final cuando los músicos van saliendo del teatro y SCORSESE le ordena gritando a su técnico, subir la cámara hacia la iluminadísima marquesina que anuncia a THE ROLLING STONES: éstos, como hace más de 40 años, siguen tocando LO MISMO. Eso de renovarse o morir no tiene ningún sentido para la egiptología londinense: las momias son eternas. Ah, qué dura es la nostalgia. Por cierto: en los extras viene una espléndida interpretación de PÍNTALO DE NEGRO y son casi cinco minutos; al instante me acordé del mágico sonido de JONES tocando la cítara. Ah, qué triste es la nostalgia.